罗丹-"艺术即感情"

奥古斯特·罗丹生于一个贫穷的基督教家庭。他的父亲是一名警务信使，母亲是穷苦的平民妇女。罗丹从小喜爱美术，其他功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，失望的父亲不得不同意把他送进巴黎美术工艺学校。姐姐玛丽靠自己挣得的工钱来供给他食宿费，因此罗丹从小就深深地敬爱他的姐姐。他14岁随荷拉斯·勒考克(Lecongde Boisbaudran)学画，后又随巴耶学雕塑，并当过加里埃·贝勒斯(Carrier Belleuse)的助手，去比利时布鲁塞尔创作装饰雕塑五年。

1875年游意大利，深受米开朗基罗作品的启发，从而确立了现实主义的创作手法。

他的《青铜时代》《思想者》《雨果》《加莱义民》《巴尔扎克》《走路的人》等作品都有新的创造，曾受到法国学院派的抨击。包含着186件雕塑的《地狱之门》的设计，即因当时官方阻挠而未能按计划实现，只完成《思想者》《吻》《夏娃》等部分作品。

他善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻"三大支柱"。

《罗丹艺术论》是对欧洲雕塑史的科学总结，又是个人经验的精练概括，其中贯穿着罗丹对前人的崇敬、对名作的卓见和创作的喜悦、深思的刻痕、点滴的自省。

法国诗人里尔克说过：“罗丹是一切。”

罗丹用千变万化的雕像在人们面前展现人世间可悲可喜、可爱可怖的众生相

并且让人们窥见生命的真实和艺术创造的意义

罗丹的雕塑真诚地把人类生活中最深刻的爱与美揭示出来奉献给了人类

作品详解

《伤鼻的男子》 1864

罗丹的艺术生涯是从《塌鼻男人》开始的。这是一件直接来自生活的作品。由于请不起模特儿，罗丹只好请了一个叫毕比的乞丐，只要给饭吃就行。罗丹从一个雕塑家的角度发现了他的美，于是他在作品中极力强调他面部的起伏和扭曲感，似乎这里面就存在着不是他一个人而是整个人类的愁苦和凄凉。这种直接从生活中选取素材，如此逼真地再现眼见的真实的观点，我们在库尔贝、米勒、杜米埃、马奈等这些油画家的作品中已经看到，它表现了这个时代的一致追求：废除一直统治美术的学院派的理想化的真实观，赋予艺术以现实的直接性。它也因此而反映了另一个观点，既以现代的“丑”，反对传统学院的“美”。这种“丑”在我们今天看来其实只是一种现实性的真实，但在当时却是一种反叛，我们在罗丹后来的《妓女》和《巴尔扎克》等作品中可以看出，这种反叛意识贯穿了他的一生。毫无疑问，这种反叛必然遭到学院派或保守的观众的厌恶，因为惰性是人类的天性，任何新的东西最初都是艰难地成长的。

《青铜时代》 1876

青铜 高1.74m

1876年，罗丹以现实主义手法创作了一尊裸体青年像，起初题名《受伤的战士》，在展览会上遭到失败后，范·拉斯鼓励他，建议把那根棍子取消，并改名为《青铜时代》，它重新为雕像赋予了深意。表现了人类从原始社会中过渡到现代，象征着"人类黎明"或"人类的觉醒"。真实地塑造了一个匀称而完美的青年男性人体，他的体态非常自然生动，左腿支撑全身，右腿稍弯曲，脚趾微微着地。左手好似持杖，右臂举起，手扶在头顶，使躯干和四肢的肌肉随之发生起伏变化。头微向后仰，双目合闭，好似即将从梦中醒来。整个姿态和面部表情十分和谐，他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出内在的力量。

雕像表现人类从原始社会过渡到青铜时代后，从自然的束缚中解脱出来，象征人类从蒙昧走向文明的时代特征。不想这件作品问世时，竟受到猛烈的抨击，在展览会上，《青铜时代》被评论界认为是用人体浇铸而成的，罗丹一时间成了下流的骗子。罗丹向美术院提出抗议，美术院则派了五名组成的评审团来到罗丹的工作室。罗丹没有参照任何模特儿，当众塑造了一个男性裸体。

在这个即兴创作的人像上，罗丹令人无可怀疑地表现了他那精确的解剖知识和卓越的技巧，它无言地击败了这场声势浩大的攻击。

《圣徒约翰》1878

雕刻家用格外坚实有力的手法，塑造了在沙漠中徒步跋涉、不畏艰险、随时随地传播“福音”的使徒形象。此雕塑深入人物的内在情感，表现了使徒约翰的坚强意志与性格。通过面部表情，可以看出约翰具有坚定安详的眼神，他仰起头来，微张着口，右臂伸出，手指着上天，似乎正在一边步行一边宣讲教义。那迈开的阔步，不是刹那间的凝固动作，却是在静止的雕刻中表现出连续的步伐。他采用了全裸的形式，生动地表现了这一题材；更重要的是，雕刻家不仅追求“外在的真实”，而且极力探索和表达“内在的真实”。这虽然是宗教人物的形象，但丝毫没有神秘的宗教色彩。

《地狱之门》 (1880-1917)

这件大型雕塑共有186个形象，是根据但丁的《神曲·地狱篇》构思创作的，历时达37年，直到他去世前一年还在修改。《地狱之门》代表的是罗丹更为内在的痛苦与压抑的灵魂。为了《地狱之门》，罗丹用了一年的时间来阅读但丁的《神曲》，沉浸在但丁用文字塑造的虚幻世界里，用100多幅把书中描写的八层地狱画了出来，他运用中国水墨勾勒轮廓，用褐色水彩颜料衬出阴影，以体现出立体效果;有些画还只是直接演绎但丁的原意，如弗兰切斯加、乌哥利诺、地狱中形形色色的罪人，以及代表但丁本人的思想者。

《地狱之门》（初稿模型） 1880

蜡

高 23,3 cm ; 宽 15,5 cm ; 宽 2 cm

这个由蜡铸造的初稿模型，展现了罗丹最初设想的构图。罗丹从洛伦佐•吉尔贝蒂（Lorenzo Ghiberti）为佛罗伦萨洗礼池（1425-1452）创作的 《天堂之门》中汲取了灵感。他将大门分成十个面板，每个门扇上各有五个，包裹着装饰性的边框，并由镶边分割开。面板上还没有任何细节内容，罗丹仅仅用几个简单步骤勾勒出雕塑的总体布局。

《地狱之门》（第二稿模型）1880

橡皮泥

高 16,5 cm; 宽 13,5 cm ; 宽 2,6 cm

第二个模型并没有展现大门的整体，而是集中在几块面板上，勾勒出构图。这些浅浮雕上布满了极小的人物雕塑。想要准确辨认出表达的主题是不可能的，但是显然很多人像组合与当代一些画作颇为相近。

《地狱之门》（第三个模型） 1881

石膏

高 111,5 cm ; 宽 75 cm ; 宽 30 cm

《地狱之门》的第三个模型与罗丹最终选择的构图非常相近。当时的若干绘画显示，罗丹很快将面板的数量由十个减少到八个，他不久后就放弃了将两扇门隔开的想法。《地狱之门》的结构采用了哥特艺术的某些特点：两扇门中间树立着一个间柱，柱顶装饰着人像《思想者》, 它位于门楣中心的位置。 然而，这个作品更多地是从文艺复兴的建筑风格中汲取了灵感：它正交线条的结构，雕刻着人物的壁柱，以及饰有飞檐托的柱顶盘。在大门上勾勒出的主要人物中，可以辨认出位于左边的《吻》，以及位于右边的《吞噬自己孩子的乌戈林》，这个版本更接近于绘画习作，而与最终的作品相差较远。

《思想者》 (1880-1917)

这件作品将深刻的精神内涵与完整的人物塑造融于一体，体现了罗丹雕塑艺术的基本特征。罗丹的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神。这是一个强劲而富有内力，成熟而又深刻的形象。那生命感强烈的躯体，在一种极为痛苦状的思考中剧烈地收缩着，紧皱的眉头，托腮的手臂，低俯的躯干，弯曲的下肢，似乎人体的一切细节都被一种无形的压力所驱动，紧紧地向内聚拢和团缩，仿佛他凝重而深刻的思考是整个身体的力量使然。罗丹认为深刻的思想是靠富有生命活力的人体来表现的，所以，他的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藉着深刻与永恒的精神。

罗丹说过，一个人的形象和姿态必然显露出他心中的感情，形体表达内在精神。对于懂得这种看法的人，裸体是具有丰富意义的。他以身体和头脑同时沉入永不停息的冥想。

《永恒的偶像》 约1890—1893年

石膏

高 73,2 cm ; 宽 59,2 cm ; 宽 41,1 cm

这个组像中的两个人物来源于《地狱之门》。1890年左右，罗丹将这两个人像组合成了一个独立的新作品，并且很快获得了成功。1891年，它的青铜版本开始铸造。1893年，画家尤金•卡里埃（Eugène Carrière）订购了一个放大的大理石版本。这里展示的石膏像就是这个大理石版本的模型。它是根据罗丹想要保留作品创作过程的意愿完成的，或许也是为了今后制作其它的版本。

标题《永恒的偶像》表现了这个时期罗丹所倾心的象征主义风格。然而，对于罗丹而言，形状永远比主题更重要。具有诗意的标题总是在作品完成后才取的，通常是和他的作家朋友讨论的产物。

《亚当》(1880)

《夏娃》(1881)

高 174 cm ; 宽 58 cm ; 宽 64,5 cm

在罗丹于1881年所设计的《地狱之门》中，罗丹想把《亚当》和《夏娃》分别悬垂在两侧。他随后描述他是如何开始塑造一个大型女性人像，却因为他的模特怀孕而不得已中止。直到1899年，罗丹才将这个未完成的《夏娃》展示在公众面前。罗丹从那时开始敢于展出他的残缺的、不完整的作品。

粗糙的皮肤表面、细节的缺乏，甚至右脚上还有清晰可见的金属框架的痕迹，这些都证明了这是一件罗丹保留的尚未完工的作品。在此期间，他完成了一个更小版本的《夏娃》，于1882年展出，深受欢迎。她低头和交叉双臂的含羞姿势，与身体的肉欲形成鲜明对比，使得作品广受大众喜爱，雕塑拥有了众多青铜、大理石和赤土版本。

《乌戈林及其孩子们》

约1881年 石膏高 41,5 cm ; 宽 40,3 cm ; 宽 58,7 cm

让•巴普帝斯蒂•卡尔波（Jean-Baptiste Carpeaux）的《乌戈林》（1861年，现藏于奥赛博物馆）一定给罗丹留下了非常深刻的印象，这是一个非常著名的悲剧雕塑组像，取材自但丁的《神曲》。二十年之后，在接到《地狱之门》的订单之后，罗丹曾多次画过这个但丁式的主题，这是一个对他的浪漫派前辈而言非常宝贵的主题：被囚禁的乌戈林因饥饿而疯狂，接着吃了他死去的孩子，他因此被罚入地狱。

在《地狱之门》的组像中，罗丹塑造了这出悲剧高潮前的场景：乌戈林从他将死的孩子身上爬过去，然而他的兽性还未完全爆发。这个面目古怪的裸体的男人绝望地跪在地上，他正在触碰人类尊严的底线；如此耻辱的姿势在当时的艺术界是闻所未闻的。罗丹将这个组像放置在《地狱之门》的一个显要位置上，同时也将它作为一个独立的作品。

《加莱义民》（1884-1886年)

青铜 208.5×239×190.5cm

1884年，加莱城约请罗丹为忠魂碑制作雕像，他异常兴奋地接受了这一邀请。

这个题材是表现公元14世纪英法百年战争时期，英军围攻加莱市，英王提出残酷的条件――如果加莱城派出最受尊敬的高贵市民任他们处死，加莱城就可以保全。结果，六位义民为保全城市带着城门钥匙，勇敢地走向死亡。雕刻家真实地刻画了每个义民的心理，力图再现当年事件的真相，把人物真实的内心世界普告后世。依照罗丹的设计，雕像直接安放在广场的地面上，这样，六位英雄就有极大的感染力量。这一组雕像也成为罗丹艺术创造的永久纪念碑。

希腊的诸神文明和基督教文明对西方人审美判断力的影响是不可忽视的。希腊的诸神文明，是一种"人生的幸福、安宁、优美、平衡和理性"的文明;而基督教文明是以肉体受难和牺牲来换取精神崇高，是一种人格升华的文明。而罗丹倾心于基督教文明的深刻内省精神，倾心于悲剧所显示出来的力量。在他的心里，始终留有一块宗教的圣地。从最初的《埃玛尔神父》像，到青年时期的《圣徒约翰》，到中年时期的《加莱义民》，无不体现着雕塑家悲悯而庄重崇高的宗教情感。《地狱之门》为了表现那些运动中的生命，雕塑了186个分别为情欲、恐惧、理想而不断争斗、折磨自己的形象。这当中，有雄健的躯体，也有柔美的裸身，其中的主要形象后来成为独立的作品。作品的中心主题是通过"地狱篇"中"从我这里走进苦恼之城，从我这里走进罪恶之渊，你们走进来的，把一切的希望抛在后面"的含义，用多结构形式和象征性构图及真实人物走型，综合表达罗丹的哲学观点，把近代文明罪恶都集中表现在"大门"之上，贯穿着希望、幻灭、死亡和痛苦等种种感情。

《老娼妇》

(1840-1917年)

自古希腊、罗马以来，所有雕刻家创造的女性形象都以丰满柔美的造型给观赏者提供视觉的审美享受，唯有罗丹在45岁时创作的《老娼妇》，令人目不忍睹，可她却是罗丹艺术中的杰作，是他独特美学思想的体现。 呈现在人们眼前的是一位年老的裸体女子，她屈膝低首而坐，似乎沉浸在往日似水年华的回忆中，对比今日如此境地，自然不胜悲哀。对这位全身布满松树皮般的皱纹、骨瘦如柴的妇人，恐怕没有人会认为这形象很“美”，可是罗丹却认为：“在自然中一般人所谓丑，在艺术中能变成非常美”，“在艺术中，有性格的作品才算是美的。”他还说：“自然中认为丑的，往往要比那认为美的更显露出它的性格，因为内在的真实在愁苦的病容上，在皱蹙秽恶的瘦脸上，在各种畸形和残缺上，比在正常健全的相貌上更加明显地呈现出来”。“在艺术中，只是那些没有性格的，就是说毫不显示外部和内在的真实的作品，才是丑的 。”人们从这个老娼妇的身上看到什么，又想到什么呢？她也有过青春年华，她也有过如花似玉 的面容和身体，何以落到如此地步呢？这是人生不可逃脱的命运，还是社会造成的？罗丹的伟大在于以一种近乎残忍的真实，把这个悲剧形象的灵魂和肉体呈现在人们面前。

《巴尔扎克像》1897

巴尔扎克是法国19世纪文坛巨星，他的作品具有浪漫主义激情和批判现实主义的精神。罗丹对他非常敬慕，十分乐意为他塑像。 所以1891年法国文学家协会委托罗丹雕塑一尊巴尔扎克像时，他当即表示：“我要做一番非同寻常的事业。” 在罗丹10岁时，巴尔扎克就已去世。因此在形象的塑造上，他做了大量的阅读、考察和研究，前后作了四十多件形象习作，着意刻画一代文豪的外貌和精神特征。雕刻家认为，创造形似的巴尔扎克不是主要的，“我考虑的是他的热情工作，他的艰难生活，他的不息的战斗，他的伟大的胆略和精神，我企图表现所有这一切”。

罗丹塑造的巴尔扎克是个夜间漫步的形象。文豪习惯于夜间穿着睡衣工作，所以罗丹让他披着睡衣在星空下沉思，那宽大的睡衣包裹着屹立的巨人。据说原来作的小稿中，巴尔扎克有一双智慧的手。罗丹在征求他的学生、助手布尔德尔的意见时，布尔德尔赞美地说：“他这双手雕得太好了！”罗丹听后拿起锤子就砸掉了这双手，因为他怕这双手过分突出而让人忽略了主要的部分。现在人们看到的巴尔扎克，双手被睡袍紧紧遮盖，面部精神被突现了出来，在月光下好像独自整夜在行走、思考。作品完成后，出人意料的是委托人拒绝接受，甚至指责这尊雕像像一只企鹅、一个雪人、一堆煤、一个怪胎、不成形的幼体动物。还有人认为巴尔扎克像是19世纪末颓废风气和精神错乱的象征。即使一些善良的人也认为它“哲理过多，造型不足”。法国文学家协会决定废除合同，理由是他们在“粗制滥造的草稿”中很难认出巴尔扎克的形象。

面对这一切批评、指责，罗丹却说：“我的巴尔扎克像，他的动态和模样使人联想到他的生活、思想和社会环境，他与社会生活是不可分离的，他是个真实的活生生的人。”他还认为：“〈巴尔扎克像〉是我一生的顶峰，是我全部生命奋斗的成果，我的美学理想的集中体现”。

《腰后伸的的女人躯干雕像》大型作品

1909 青铜

高 86 cm ; 宽 48,1 cm ; 宽 32,2 cm

这个躯干雕像来源于一个完整的人像，名叫 《惊愕的苦难女人》。

随后罗丹将雕像扩大，并且更加突出了背部和胸部的屈度。臀部隆起的剩余材料正是原始小人像上双手摆放的地方。罗丹选择将它们保留下来，作为前期状态和工作的痕迹。

这种方法是罗丹1890年至1895年前后进行的一种探索，探寻如何将整体打碎并缩小到精髓。对于罗丹而言，目的并不是蓄意做出未完成作品，也不是让人像保持不完整的状态，而是去除所有赘余，创造更加强烈的表现力。

其他作品部分欣赏

《手》

《吻》 1886

《绝望的年轻人》

19,9 x 11,30 x 23,40 cm

1884年之前 红陶

高 11 cm ; 宽 37,5 cm; 宽 16,4 cm

1885-1886

陶土

高33.7 cm 宽21.3 cm 宽24.8 cm

1887年之前

大理石

高 51 cm ; 宽 72 cm ; 宽 38 cm

1898 青铜

高85.7 cm 宽39 cm 宽32 cm

约1903-1904

青铜

高21.7 cm 宽22.5 cm 宽27 cm

1906-1908

青铜

高85.8 cm 宽60 cm 宽52 cm

《巴尔扎克的大型头部雕像》

约1897年，完成于1902-1904年间 珐琅砂岩高 47 cm ; 宽 44 cm ; 宽 38 cm

罗丹放弃了塑造一个和巴尔扎克形似的雕塑的想法，而他决定表现出这位作家的创造力。他全神贯注于主要的面部组成，包括嘴巴、鼻子、眉弓、头发等，强化它们的立体感，制造出强烈的对比。《巴尔扎克》大型头部雕塑与躯干正好形成对比。躯干刻上了形成皱褶的睡袍，罗丹将它刻画得流畅而微妙。

罗丹喜欢运用主要作品的习作，并通过各异的材料创造出不同的版本。于是他将《巴尔扎克》头部的最后习作之一交予醉心于陶瓷制作的富裕的工程师保罗•让纳内（Paul Jeanneney），让他进行放大并将它以砂岩制成作品。就像他的老师让•卡瑞斯（Jean Carriès）一样，让纳内对日本陶器艺术非常着迷，他成功地让这个作品拥有了日本陶器的纹理和颜色效果。

他所塑造的人物都是忍辱负重、现实生活的内涵写照，他的艺术力量不是外在的呼喊，而是理性意义的表露，是内心情感与思想的自然爆发。他的取材但丁"神曲"的《地狱之门》这一与建筑紧密相连的巨大艺术工程，耗去了他后半生的整整37年，至逝世也未完成。著作有《罗丹艺术论》。

罗丹的一生是被人攻击和嘲讽、

同时也是被人理解和支持的一生。

但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。

罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。

罗丹坚信:"艺术即感情"。

他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。

以此而论，罗丹是最杰出的浪漫主义雕刻大师。

然而，他的伟大，还在于他的深刻思想:他没有浪漫派中容易见到的那些弊病，如肤浅的热情，空洞的夸张，虚假的内涵。他偏爱悲壮的主题，善于从残破中发掘出力与美。这使他的艺术具备博大精深的品格，既动人之情，又启人之思，使我们得以神游于心灵的波涛，生命的奥义，宇宙的玄远，创造的神奇。

罗丹超越了浪漫主义，超越了门户派别，超越了时代和区域，成为历史星河中一颗璀璨的巨星。他同情底层劳动人民，热爱自己的祖国，将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的苦苦思索中去。他开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。

他的作品所体现出的思想和精神魅力，

永远带给人以深沉的美，启迪着人们不停地思考。

1917年11月17日，欧洲两千多年来传统雕塑艺术的集大成者、20世纪新雕塑艺术的创造者、法国雕刻家罗丹安详地逝世了。

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分享自：彦青雕塑

编辑：李

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